La Pinacoteca de Clodin

La lìnea en la pintura

2012-02-10T04:47:00.000-08:00

¿Què es una linea? ¿Para qué sirve a los pintores? Antes de leer el articulo a continuación, nunca había notado que la linea es una delimitación de área, que en sí misma no es nada; que es una creación del hombre, un producto de su inteligencia que le sirvió para expresar lo que veía en su entorno. Y tampoco había pensado en la importancia de la línea y lo determinante que es respecto del estilo o de lo que transmite una obra. En el siguiente texto, Hereward Lester Cooke nos hace reflexionar acerca de las lineas.

La linea en la pintura
por Hereward Lester Cooke
(curador de pintura National Gallery of Art)

Las lineas no existen en la naturaleza. Lo que interpretas como una linea es el lugar en que dos áreas de diferente color se encuentran. Así es que cuando un niño coge un crayon y dibuja, está produciendo una forma de arte abstracto, pues la linea ha sido abstraída de la imagen, o mejor dicho, ha sido añadida a lo que los ojos ven.
La inclinación a ver la naturaleza en términos de linea es una tendencia universal de los humanos toda vez que intentan representar cosas. En las cavernas de la Prehistoria, los aborígenes de África y Australia, las culturas precolombinas, adultos y niños, todos comienzan utilizando lineas para representar lo que ven.
En su forma más pura, la linea es el sello del dibujo (...). La mayoría de los pintores han usado la linea de uno u otro modo para conseguir ciertos efectos. La linea, de hecho, es un elemento clave de la pintura, y un artista que sea maestro en materia de lineas puede alcanzar la grandeza sin necesidad de perfeccionar alguna otra rama de su arte.

Ejemplos que da el autor:

Vincent Van Gogh, The Olive Orchard. El trabajo de pinceladas aquí revela la naturaleza apasionada e impulsiva del artista.

Henri de Toulouse-Lautrec, Alfred La Guigne. Aquí las pinceladas crean una sensaciòn repulsiva y realzan la fealdad de la mujer, probablemente más allá de la realidad.

Peter Paul Rubens, Daniel in the Lions' den. El ritmo flameante de las lineas es un recurso para dar vida y movimiento.

Auguste Renoir, Woman with a cat. Las lineas del contorno están hechas vagamente para dar una sensaciòn de suavidad.

La importancia de un buen comienzo

2012-02-06T05:45:00.000-08:00

pintura en proceso
febrero 2012

Si un árbol empieza a crecer chueco o torcido, ya se quedó así para siempre... muere chueco. Y lo mismo se aplica al trabajo artístico. Al menos es lo que me ocurre a mí. Cuando comienzo a pintar y pongo mis primeras manchas con cierta habilidad, yo se que la obra terminarà bien. No se si es una cuestión de ánimos o de que una mala calidad inicial condena el futuro del trabajo aunque pongamos todo el esfuerzo en repararlo. Puede ser una mezcla de los dos factores lo que lleva a la obra al suicidio, o al homicidio. Pero ¿què se necesita para empezar bien? En términos prácticos muchìsimas cosas, como un lienzo bien imprimado, un buen dibujo o una idea bien concebida, pinceles adecuados, y todos los colores que se requieran. Pero por lejos creo que lo más importante son las ganas de pintar. Esas ganas son las que hacen que todo salga bien, y las que generan el ánimo para continuar pintando el resto del cuadro, porque una cosa es empezar y otra muy distinta, terminarlo. Más de alguna vez vamos a la mitad y perdemos la paciencia o no queremos terminar porque sabemos que la obra resultará un desastre. Pero cuando una idea nos ha despertado de noche o nos ha distraido de una película o alejado de una comida, vamos por buen camino. Por eso a mis alumnos cuando me piden que les diga què pintar, les animo a que elijan por sí mismos lo que quieren pintar. Les guío e indico qué puede resultar mejor para empezar ,pero creo que es erróneo imponer temáticas, porque cuando se empieza a pintar sin ganas se termina mal y a la obra le falta lo que màs debe tener: vida.

Tiempo de ideas crudas

2012-01-20T04:09:00.000-08:00

El pensador, Rodin

En ocasiones, visto desde lejos, el oficio de pintor parece un cantinfleo descomunal, una descarada pérdida de tiempo, ocio vestido de oficio (quizás no sea casualidad que a ambas palabras sólo les distinga una sílaba, una sìlaba casi graciosa como "fi"). Pero estos largos momentos de inactividad son tan sólo el tiempo de ideas crudas, un momento en que apartados del quehacer algo hacemos. Pensamos en la obra o recopilamos ideas que nos puedan servir alguna vez, y eso es parte del trabajo, vivir es parte del trabajo para los artistas. La pérdida de tiempo es pensar cómo justificar esa extensa jornada translúcida de trabajo forzoso, sin sangre, sudor ni lágrimas. (aunque a veces hay lágrimas, éstas sólo reafirmarían que perdemos tiempo por eso, mejor omitirlas).
El tiempo de ideas crudas es ambigûo, borroso. No sabemos cuánto dura, ni a dónde nos lleva. Es una inversiòn poco concreta, incontable. Puede consistir en hacer bocetos, como en sentir, mirar con los ojos perdidos un muro o sólo estar. Puede tener orden y plazos, como puede durar indefinidamente. Para unos artistas es una cosa, y para otros otra completamente distinta, pero todos vivimos la misma experiencia.

Al respecto, he leído un articulo de Diario El Mercurio (Chile) que dejo aquí para ustedes: Se titula "El trabajo de una vida".

EL TRABAJO DE UNA VIDA
por Roberto Merino
Diario El Mercurio
Domingo 20 de Noviembre, 2011

Muchas veces hemos escuchado que para un escritor tienen relevancia aun los hechos mas insignificantes de la experiencia. Llega a ser desesperante constatar la realidad de esta afirmaciòn. No se trata de un programa de acciones ni de un ejercicio impuesto, sino más bien, simplemente, de la disposiciòn casi natural de vivir todos los días poniendo la mirada en acontecimientos sin valor histórico que vienen de ninguna parte y se dirigen al olvido.
No sabemos de qué modo se configuraràn estas observaciones más tarde en la escritura, ni siquiera si llegará el momento en que emerjan de la memoria para reposicionarse en un universo literario.
Basta hacer un alto, darse un pequeño impulso y la mente comienza a activar sus registros: un diario quemado del cual se ven las letras rojas del titular, tirado sobre una vereda embarrada una tarde hace treinta años; un sueño previo al golpe del 73 referido por alguien a quien no vimos nunca más; el rostro de un detective que da un grito en cámara lenta en una serie televisiva vista sin volumen en un insomnio reciente. Como si fuera un nominalista feroz, podría llenar paginas y paginas con la continuación de esta lista. Y si estuviera loco, podrìa seguir hasta llenar dos o tres tomos de microscòpicas fugacidades.
El hecho es que nunca se sabe muy bien en qué consiste el trabajo de un escritor, en el cual el acto mismo de escribir es tan sólo una parte. Pound dijo alguna vez que el capital del escritor es el tiempo. Esta claro que es así: ¿pero de dónde sacar tiempo, que es más escaso que la plata? Un tiempo indefinidamente estirado, tiempo para perseguir las propias huellas, para dormir, para espiar o para no hacer absolutamente nada.
Siempre desconfío de aquellas fotografías en que los escritores aparecen consagrados a su oficio, en actitud pensativa con la pluma en la mano, o ambas manos lanzadas sobre el teclado de la maquina de escribir o del computador. Se diría que están posando en beneficio de la imagen que tiene de ellos los demás.
Una amiga, que es además una gran pintora, me decía que la esencia de su trabajo eran el error y el aburrimiento. Reclamaba contra el ritmo de su vida actual, que no la dejaba aburrirse frente a una pintura en proceso o equivocarse todas las veces necesarias. Sólo cuando pasaba un periodo de tropiezos se daba cuenta de que su capacidad técnica se ponía la mismo nivel de su sensibilidad y de sus ideas.
Es famoso el episodio vivido en una corte británica por James Whistler al vender su cuadro "Nocturno en negro y dorado". El fiscal le preguntó cuánto tiempo le había tomado realizar la pintura. Whistler dijo que a lo más dos días. El fiscal retrucó: "¡Oh, dos días!" ¡Por el trabajo de dos días, entonces usted cobra treinta guineas!. La respuesta de Whistler es célebre: "No, he pedido esa cantidad por el trabajo de toda una vida"

Mi viernes ficticio

2012-01-05T04:53:00.000-08:00

Siempre he sido una desenchufada del mundo, pero ahora, sin colegio que me presione a saber si es martes o mièrcoles, el asunto de los dìas parece importar cada vez menos. Ya no corro el riesgo de ir a clases en dìas feriados, o de llevar un bolso de playa con flotadores, en lugar de cuadernos, el dìa lunes.
Para mi vida actual ya no tiene ninguna clase de consecuencia el dìa en que vivimos, excepto porque siendo adulta asocio cada dìa a una emociòn. Hoy me sentì feliz de que fuera Viernes; de saber que al final del dìa podrìa descansar junto a mi esposo; de que llegaba el fin de semana y con èste una pila de pequeñas alegrìas . Le escribì a mi esposo y le contè de mi regocijo (que era realmente enorme considerando mi cansancio semanal), a lo que èl responde:" lamento arruinarle su viernes ficticio, porque hoy es jueves".
Tengo dos opciones: seguir pensando que es viernes, olvidarlo en el sueño, despertar un viernes y por primera vez en mi vida vivir dos viernes seguidos, o convencerme de que es jueves. Como no necesito que sea jueves, he decidido vivir hoy un viernes ficticio: con ànimo de viernes, cansancio de viernes pero tambièn con mi alegrìa de viernes. Y mañana... otro viernes con ànimo de viernes, cansancio de viernes y alegrìa de viernes. Y tengo asì una semana perfecta: 48 horas de viernes, un preludio perfecto para el dìa Sàbado.

Nuevos retratos

2012-01-02T11:41:00.000-08:00

Carlitos (retrato) òleo sobre tela 60 x 40 cm, año 2011

Valentina (retrato) òleo sobre tela 60 x 40 cm año 2011

Bautismo

2011-12-27T07:59:00.000-08:00

Tardíamente, como es mi costumbre, he decidido bautizarme. No bautizarme como artista, porque como artista yo venía bautizada desde antes de nacer y no tuve opción ni de negarme (afortunadamente); tampoco hablo de bautizarme en una iglesia (de manera igualmente tardía fui bautizada en la iglesia católica, a los 5 años, aunque debo decirles que a los 5 años todavía no se comprende que es una iglesia y un bautismo). A los 25 años, con plena conciencia y seguridad, me bautizo yo misma bajo el seudónimo de Clodìn. No quiero que como a Rodin le llamaban “Rodán” a mi me llamen "Clodàn" (parecer extranjera para ganar aprobaciòn social no es una de mis aspiraciones). Mi nombre será sencillamente Clodìn. Suena a lavalozas, lo se, pero lo cargaré con perseverancia y orgullo en el tiempo. Y cuando mi tiempo se acabe lo llevará mi pintura, aun si sólo lo saben las arañas de un perdido ático.

Publicada en International Contemporary artists Vol III

2011-11-23T04:08:00.000-08:00

Autorretrato

2011-05-03T08:13:00.000-07:00

òleo sobre tela, año 2010, 1,30 metros x 1 metro

Y tú Claudia… ¿Por qué pintas?

2011-03-18T06:14:00.000-07:00

Consciente de mi tiempo finito, de la probabilidad de que cuando resucite ya no tenga manos, o de que en otra vida no encuentre óleos, o que simplemente no haya otra vida; siendo posible que reencarne en un gusano, que muera en este preciso segundo, o que involuntariamente, de un segundo a otro, pase a estar atrapada en mi cuerpo, aquí y ahora, pinto. No me perdonaría no pintar. Y lo maravilloso de todo esto es que, sumado al sentimiento de obligación y deber, están las inmensas e indescriptibles ganas de pintar.

Pinto también porque en el mundo no hay demasiados pintores y nunca me ha gustado hacer lo que hacen demasiados; podrìa afirmar que elegì este oficio dada mi tendencia a tomar los caminos menos transitados... a mi terquedad. Además me es imposible mirar sin mis ojos de pintor (no digo “pintora” porque un pintor es universal y ajeno a cuestiones de género).

Después de pensarlo mucho he concluido ademàs que la pintura es inofensiva, y fuese cual fuese mi labor, siempre supe que me inclinarìa hacia la paz (sólo me permito la violencia cuando es imaginaria y secreta). Siendo la pintura inofensiva, puede criticársele lo inútil, lo socialmente pasiva que es. Sin embargo, la inutilidad también tiene su utilidad, y es la inutilidad en si misma. No todo debe servir. Hace falta el sin sentido, tanto como las ilusiones y los sueños. La belleza sin ton ni son (o si se quiere la fealdad sin ton ni son). Hay pocos pintores porque hay pocos dispuestos a lidiar con el reproche de una sociedad obsesionada con la utilidad, con la competencia, con títulos universitarios, altos y bajos rangos y certificados para todo (con "titulitis” como dice mi amigo pintor Graciano).La utilidad como la inutilidad son igualmente útiles.

Mis òleos y mi mate, compañeros de labor (fotografìa marzo 2011)

Es infinitamente satisfactorio dar vida a algo que en su origen era sólo un pensamiento del que nadie más que uno mismo podía ser testigo. Eso es un milagro del que sólo Dios puede ser causante. Las personas disponemos de milagrosos recursos para hacer evidentes las etéreas realidades que llevamos dentro, y he ahí nuestra riqueza. Haciendo uso de esta facultad, tambièn pinto para compartir estos secretos con las personas que quiero; y en especial con mi esposo, quien logra acrecentar cada dìa mi amor por la pintura, a travès de su amor.

Otras veces pinto para vencer mi melancolía o para evitar pensar. Hay días en que para ser dichosa me hace falta llevar la cabeza vacía (para todos, la lucidez y la inteligencia es una bendición, algunas veces, dolorosa). Y en otras ocasiones para aminorar un poco el vertiginoso cauce de alegrìa que derramo por todos lados.

Pinto finalmente porque quiero pintar, y si hay una enseñanza que me quedó grabada desde niña, esa es que siempre debía hacer lo que yo quisiera hacer. Y en eso estoy. Opté por ser feliz, sea ese un fin socialmente aceptado o no. Es ingenuo e infantil, pero es mi fin

Taller de pintura 2011

2011-02-28T06:24:00.000-08:00

Desde Marzo recomienza el taller de pintura al òleo. Este año las clases tendràn un valor de $25.000 pesos, correspondientes a 4 clases de dos horas cada una. Como siempre los alumnos deben traer sus materiales (òleos, pinceles, aguarràs, paleta, paños de limpieza y soporte) y yo les proporciono un atril para trabajar. Los horarios disponibles para fijar las dos horas de cada clase seràn los dìas martes y jueves, desde las 3 pm a las 7 pm. Quienes tengan preguntas pueden escribirme a claudi_capri@hotmail.com
Les saluda atentamente,
Claudia

Carta de Juan Pablo II a los artistas: la especial vocación del artista

2010-05-28T07:24:00.000-07:00

fragmento

No todos están llamados a ser artistas en el sentido específico de la palabra. Sin embargo, según la expresión del Génesis, a cada hombre se le confía la tarea de ser artífice de la propia vida; en cierto modo, debe hacer de ella una obra de arte, una obra maestra.
Es importante entender la distinción, pero también la conexión, entre estas dos facetas de la actividad humana. La distinción es evidente. En efecto, una cosa es la disposición por la cual el ser humano es autor de sus propios actos y responsable de su valor moral, y otra la disposición por la cual es artista y sabe actuar según las exigencias del arte, acogiendo con fidelidad sus

dictámenes específicos. Por eso el artista es capaz de producir objetos, pero esto, de por sí, nada dice aún de sus disposiciones morales. En efecto, en este caso, no se trata de realizarse uno mismo, de formar la propia personalidad, sino solamente de poner en acto las capacidades operativas, dando forma estética a las ideas concebidas en la mente.
Pero si la distinción es fundamental, no lo es menos la conexión entre estas dos disposiciones, la moral y la artística. Éstas se condicionan profundamente de modo recíproco. En efecto, al modelar una obra el artista se expresa a sí mismo hasta el punto de que su producción es un reflejo singular de su mismo ser, de lo que él es y de cómo es. Esto se confirma en la historia de la humanidad, pues el artista, cuando realiza una obra maestra, no sólo da vida a su obra, sino que por medio de ella, en cierto modo, descubre también su propia personalidad. En el arte encuentra una dimensión nueva y un canal extraordinario de expresión para su crecimiento espiritual. Por medio de las obras realizadas, el artista habla y se comunica con los otros.

La historia del arte, por ello, no es sólo historia de las obras, sino también de los hombres. Las obras de arte hablan de sus autores, introducen en el conocimiento de su intimidad y revelan la original contribución que ofrecen a la historia de la cultura.

Cartas a un joven poeta

2010-05-06T19:01:00.000-07:00

(fragmento)
Rainer Maria Rilke

Las obras de arte viven en medio de una soledad infinita, y a nada son menos accesibles como a la crítica. Sólo el amor alcanza a comprenderlas y a hacerlas suyas; sólo él puede ser justo para con ellas. Dése siempre la razón a si mismo y a su propio sentir, frente a todas esas discusiones, glosas o introducciones. Si luego resulta que no está en lo cierto, ya se encargará el natural desarrollo de su vida interna de llevarle paulatinamente y con el tiempo hacia otros criterios. Deje que sus juicios tengan quedamente y sin estorbo alguno su propio desenvolvimiento. Como todo progreso, éste ha de surgir desde dentro, desde lo más profundo , sin ser apremiado ni acelerado por nada. Todo está en llevar algo dentro hasta su conclusión , y luego darlo a luz; dejar que cualquier impresión, cualquier sentimiento en germen, madure por entero en si mismo, en la oscuridad, en lo indecible, inconsciente e inaccesible al propio entendimiento: hasta quedar perfectamente acabado, esperando con paciencia y profunda humildad la hora del alumbramiento, en que nazca una nueva claridad. Este y no otro, es el vivir del artista: lo mismo en el entender que en el crear.

Ahí no cabe medir por el tiempo. Un año no tiene valor y diez años nada son. Ser artista es: no calcular, no contar, sino madurar como el árbol que no apremia su savia, mas permanece tranquilo y confiado bajo las tormentas de la primavera, sin temor a que tras ella tal vez nunca pueda llegar otro verano. A pesar de todo, el verano llega. Pero sólo para quienes sepan tener paciencia, y vivir con ánimo tan tranquilo, sereno, anchuroso, como si ante ellos se extendiera la eternidad. Esto lo aprendo yo cada día. Lo aprendo entre sufrimientos, a los que, por ello, quedo agradecido. ¡La paciencia lo es todo!

El Ojo

2010-04-14T19:33:00.000-07:00

(por Khalil Gibran)

Dijo el Ojo un día:
- Veo más allá de estos valles una montaña velada por una niebla azul. ¿Verdad que es hermosa?
El oido se puso a escuchar, y después de haber escuchado atentamente durante un tiempo, dijo:
- Pero ¿dónde está esa montaña? ¡Yo no la oigo!
Entonces habló la mano y dijo:
- En vano trato de palparla; no encuentro montaña alguna.
La nariz dijo:
-No hay ninguna montaña. No puedo olerla.
Entonces el Ojo se volvió hacia otro lado, y todos comenzaron a discutir la extraña alucinación del Ojo. Y decían:
- A este Ojo debe pasarle algo.

Monet

2010-03-11T13:11:00.000-08:00

Una imágen dice más que cien palabras. Sin embargo, ciertas palabras pueden acompañar con mucha gracia a una imágen si salen directamente del corazón. Aunque soy una convencida de que el arte no necesita explicaciones (y también así lo creía el autor a cuyas palabras me refiero), reproduzco aquí algunas frases del gran artista francés Claude Monet (1840- 1926) que creo pueden ayudarnos a sentir, y no necesariamente a entender, qué significaba para él la pintura.

"Todo el mundo discute mi arte y pretende comprender, como si fuera necesario, cuando simplemente es amor"

"Pinto como un pájaro canta"

"Ay de mi, cuanto más veo, peor me va a la hora de representar lo que siento. Me digo: quien dice haber acabado un lienzo es terriblemente orgulloso, entendiendo por acabar, completar la obra, dejarla perfecta"

"Con el devenir del tiempo se me abrieron los ojos y entonces comprendí verdaderamente la naturaleza y aprendí a amarla"

"Cada vez estoy más furioso ante la necesidad de representar lo que experimento y me juro a mi mismo que no seguiré tan impotente, porque me parece que podría hacer grandes progresos"

"El motivo es algo insignificante para mi; lo que quiero reproducir es lo que hay entre el motivo y yo"

Otredad

2010-02-14T18:11:00.000-08:00

Para mi la tozudez es propia del artista. Un elemento necesario e indispensable para su creatividad, como así una forma de amor a si mismo que consiste en ser fiel a la propia convicción o deseo; o en última instancia, como dice Benedetti, tener así siquiera la ilusión de sentirse uno mismo.

He aquí un gran poema de Mario Benedetti; un incentivo (para artistas y no artistas) a ser felizmente tercos.

Otherness

Siempre me aconsejaron que escribiera distinto,

que no sintiera emoción sino pathos

que mi cristal no fuera transparente

sino prolijamente esmerilado

y sobre todo que si hablaba del mar

no nombrara la sal

siempre me aconsejaron que fuera otro

y hasta me sugirieron que tenía

notorias cualidades para serlo

por eso mi futuro estaba en la otredad

el único problema ha sido siempre

mi tozudez congénita

neciamente no quería ser otro

por lo tanto continué siendo el mismo

otrosí digo/ me enseñaron

después que la verdad

era más bien tediosa

el amor/ cursi y combustible

la decencia/ bastarda y obsoleta

siempre me instaron a que fuera otro

pero mi terquedad es infinita

creo además que si algún día

me propusiera ser asiduamente otro

se notaría tanto la impostura

que podría morir de falso crup

o falsa alarma u otras falsías

es posible asimismo que esos buenos propósitos

sean sólo larvadas formas del desamor

ya que exigir a otro que sea otro

en verdad es negarle su otredad más genuina

como es la ilusión de sentirse uno mismo

siempre me aconsejaron que escribiera distinto

pero he decidido desalentar/ humilde

y cautelosamente a mis mentores

en consecuencia seguiré escribiendo

igual a mi o sea

de un modo obvio irónico terrestre

rutinario tristón desangelado

(por otros adjetivos se ruega consultar

críticas de los últimos treinta años)

y eso tal vez ocurra porque no sé ser otro

que ese otro que soy para los otros

Mario Benedetti

Autorretrato con sombrero de paja

2010-01-12T06:16:00.000-08:00

(por Vincent Van Gogh)

Óleo sobre lienzo pegado a tabla35 x 27 cm
1887

"Quisiera hacer el retrato de un amigo artista que sueña grandes sueños, que trabaja como canta el ruiseñor, porque su naturaleza está hecha de ese modo. Será un hombre rubio. Y quisiera poner en el cuadro el aprecio, el cariño que siento por él. Lo pintaré, para comenzar, tal cual, es decir, tan fielmente como pueda.
Ahora bien, el cuadro no estará así acabado porque para terminarlo he decidido ser un colorista arbitrario. Exagero lo rubio de la cabellera. En lugar de pintar detrás de la cabeza el muro vulgar y mezquino de la habitación, pinto el infinito: hago un simple azul, el más rico, el más intenso que yo pueda elaborar. Y por esta sencilla combinación la cabeza rubia, iluminada sobre este fondo tan rico, produce un efecto misterioso, como el de la estrella en el azul profundo"

La pintura según Leonardo

2010-01-05T08:05:00.000-08:00

Siempre he creido que el arte no se "debe" comprender (aunque se quiera o se pueda). La pintura es una disciplina que trasciende lo estructural y lógico. Las artes no han sido creadas para responder preguntas; es más, tal vez sólo profundizen la incertidumbre del hombre sumido en su sentimiento. El arte es sencillamente arte, y el no poder descomponerlo en premisas irrefutables nos indica precisamente su magnitud.
Leonardo, el maestro del Renacimiento, se ha referido a ésto (a la pintura en particular) en su Tratado de la pintura. Comparto con ustedes el escrito de Leonardo titulado:

De por qué la pintura no se cuenta entre el número de las ciencias

Los escritores no han podido describir las partes y los grados de la pintura porque no han tenido conocimiento de su ciencia. Ella no se muestra en sus fines mediante la palabra y ha quedado, por ignorancia, detrás de otras ciencias, sin faltarle por eso su divinidad. En verdad no les falta razón para no haberla ennoblecido, porque se basta a sí misma para darse nobleza, sin necesidad de las lenguas ajenas, de igual manera que lo hacen las obras de la naturaleza. No es culpa de la pintura si los pintores no la han descrito y reducido a ciencia. ¿Acaso porque pocos son los pintores que profesan las letras, pues su vida no les basta para comprender la pintura, hemos de decir que ésta es menos noble ?
¿Acaso hemos de decir que las cualidades de la hierba, piedras y plantas no están en ellas porque los hombres no las hayan conocido ? Ciertamente no, sino que diremos que tales hierbas son nobles en sí mismas, sin ayuda de las lenguas o las letras humanas.

Retratos

2009-12-10T19:12:00.001-08:00

"Todo retrato pintado con sentimiento es un retrato del artista, no del modelo. El modelo es meramente el accidente, la ocasión. Quien se revela sobre la tela es el pintor. No exhibiré este retrato por el temor que siento de mostrar en él el secreto de mi propia alma"

Fragmento de “El retrato de Dorian Gray”

Oscar Wilde

El retrato es una de las expresiones más reveladoras y atrevidas de un artista. No sólo me refiero a autorretratos; captar la existencia de algo que piensa y siente simplemente no puede esconder intenciones, deseos, o pensamientos, y es esto lo que escondemos.. El retrato puede ser o no fiel a la realidad, pero es un buen retrato si “vive” en la tela. Y cobra vida cuando el artista pone todo de si mismo en su realización. Un retrato, sea o no propio, es como un espejo ante el creador. Yo , como artista, no siento pudor alguno en mostrar mi obra si es un paisaje o un bodegón; sin embargo, me cuesta trabajo sacar de mi taller un retrato. Cuando alguien mira un retrato que yo hice, me está mirando a mi. Todo artista ha de dar un paso importante entre crear en soledad y compartir su creación con otros. Toda obra artística supone valentía en ese sentido, y algo de generosidad. Cuando yo comencé a pintar, no quería mostrar mi trabajo… y menos venderlo. No quería desprenderme de mi pintura, cual si fuera una parte de mi misma. Hoy se que una obra de arte es eso precisamente.

El mensaje de la obra

2009-11-20T13:45:00.000-08:00

(por Claudia Pérez Nelson)

El mensaje de una obra se puede comprender, o se debiera comprender, a niveles distintos del lenguaje. Si hay algo que no me gusta, es que me pregunten qué quise decir con una pintura. No por egoísmo (todo lo contrario).

Entiendo la curiosidad que pueden sentir quienes no acostumbran a crear y cuyo trabajo no implica imaginar (sin desmerecer en absoluto aquellas labores) hacia los motivos que mueven a un artista a idear un mundo propio, o seleccionar de modo especial el ya conocido. Para mi sin embargo, en concordancia con mi retraída forma de ser, la pintura revela verdades que no debieran compartirse sino a través del color y la forma. Por eso pinto. Me imagino que a muchos artistas ha de pasarles lo mismo. En otras palabras: no espero reservarme el derecho de comprender exclusivamente mi trabajo. Pero mi modo de transmitir va mucho más allá de lo que pueda decir o intentar explicar de mi obra. He ahí el punto.
Como artista adoro comunicar. Pero mi mensaje está inserto en el lienzo: no quiero que salga de mi boca (aunque un par de veces me he visto obligada a hacerlo).
El arte moderno le ha dado al artista la posibilidad de poner el mensaje al mismo nivel que la pintura per se. Tanto así que muchas obras alcanzan popularidad más por su mensaje que por lo que son en materia de dibujo y color. De este modo, en la representación de una realidad controversial a modo de crítica social toma mayor importancia la crítica social declarada por el artista, que la realidad expresada en el lienzo y que es la que, a fin de cuentas, dice más (aun sin decir nada).
Creo que tal como en la música lo fundamental es escuchar, en la pintura lo fundamental es ver. Causas hay; sentimientos que generan la obra; razonamiento que lleva a elegir cierta luz o perspectiva y así, un sin fin de razones que dan vida a lo que se crea (incluso bajo cierto nivel de inconciencia hay mensaje). Empero, el artista y su trabajo están plasmados en el lienzo y lejos de esperar "importar" a través de un mensaje, se debiese esperar llegar al corazón del espectador y así transmitir, mil veces mejor que con palabras, los mensajes que pintamos por no decir.

imágen: Detalle "La infanta Claudia en azul" (óleo sobre tela, 2009)

Exposición en Barrio Bellas Artes

2009-11-04T14:53:00.000-08:00

Amigos artistas y amantes del arte:

Les invito cordialmente a visitar mi exposición "Hipocromáticos" , abierta al público desde el 9 al 27 de Noviembre del presente año en el Barrio Bellas Artes (Santiago, Chile). La obra será expuesta en Mundart (Cooperativa de proyectos integrales Mundart, Miraflores 636), lugar de encuentro entre creadores urbanos contemporáneos.

Espero contar con su asistencia.

Les saluda atte,
Claudia Pérez Nelson

Hipocromáticos

2009-09-04T16:11:00.000-07:00

(obra de Claudia Pérez Nelson)

La dicha
óleo sobre tela, año 2009
1 ,30 m x 1 metro
en venta ($400.000 pesos)

Hipocromáticos nació de una decisión trivial, y a medida que avancé en el proyecto, fue adquiriendo el sentido que ha de tener para mi toda creación. Inicialmente, pensé en pintar caballos básicamente por estética, pues sin conocimiento directo de ellos hubiese sido imposible tener otra razón para pintarlos. Sin embargo, desde el momento en que los fotografié quedé prendada de la idea de retratarlos ya no sólo como me los revelaría la fotografía, sino como yo recordaba haberlos sentido; desde miradas reticentes a gestos amistosos, posaban ante la cámara como posaría cualquier otro modelo. El caballo es un animal con actitud. Y la actitud (mucho más que la belleza) es algo que como artista siempre he buscado.

La raíz del titulo de la muestra es, en su esencia, mi propósito: caballos y color. Más allá de la técnica, de la corriente artística, del título de la obra incluso o del formato, lo fundamental eran el modelo y el color, pues exclusivamente por medio de los caballos y los colores se haría evidente el infinito e inexplicable significado de cada pintura para mí. No haría uso de las palabras; la imagen sería suficiente explicación del sentido y finalidad de la muestra (si acaso al arte debiera tener sentido y finalidad más allá del amor y pasión de crear). El arte no es siempre para ser comprendido. Tal como los sentimientos, el arte es idioma universal. Y así como la música es para ser oída, y la literatura para ser comprendida, la pintura es para ser vista y emocionar a través de esa visión tal como emociona comprender un soneto, u oír una sinfonía.

Les presento virtualmente mi muestra "Hipocromáticos"

Plegaria
óleo sobre tela, año 2009
1 metro x 80 cm
en venta ($250.000 pesos)

La espera
óleo sobre tela, año 2009
1 metro x 80 cm
en venta ($250.000 pesos)

El orgullo
óleo sobre tela, año 2008
1 metro x 80 cm
en venta ($250.000 pesos)

La fémina valiente
óleo sobre tela, año 2009
1 metro x 80 cm
en venta ($250.000 pesos)

Infancia
óleo sobre tela, año 2009
1 metro x 80 cm
en venta ($250.000 pesos)

Elegía Oscura
óleo sobre tela, año 2009
1 metro x 80 cm
en venta ($250.000 pesos)

Amistad
óleo sobre tela, año 2008
1 metro x 80 cm
en venta ($250.000 pesos)

La partida
óleo sobre tela, año 2009
1,30 m x 1 metro
en venta ($400.000 pesos)

Nota:

Interesados en comprar alguna obra, contactarse con la artista al mail claudi_capri@hotmail.com
Las obras pueden ser canceladas en dos o tres cuotas, con entrega garantizada de la obra una vez efectuado el pago total de la misma. También pueden comprar por Mercado pago a través de la página de Mercado libre con tarjetas de crédito Visa, Master Card, Presto, Dinners club, Magna

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Artículo Diario "El Día"

2009-07-07T14:17:00.000-07:00

Leer artículo en http://www.diarioeldia.cl/index.php?option=com_content&task=view&id=23250&Itemid=165

Nota: el título debiera decir Claudia Pérez. Fue sólo un error del diario

Invitación

2009-06-15T17:41:00.001-07:00

Claudia Pérez Nelson les saluda cordialmente e invita a visitar su primera exposición, titulada "Hipocromáticos", abierta al publico desde el 26 de Junio al 16 de Julio del presente año, en la Sala Bauzá (perteneciente a la Agrupación de artistas visuales de Coquimbo, ARTECO) ubicada en la Calle Aldunate 718, Barrio Inglés de Coquimbo.

La galería está abierta de Lunes a Sábado. Los horarios de Lunes a Viernes son: por la mañana, de 11am a 2pm, y en la tarde de 5pm a 8 pm. Los días Sábados conservan el mismo horario, con la excepción del horario de cierre, a las 10pm.

Espero contar con su asistencia, y que disfruten de la muestra.

Se despide atte,

Claudia Pérez Nelson

(imágen: "La fémina valiente" óleo sobre tela, 1 m x 80cm, 2009)

Primera exposición

2009-05-20T22:36:00.000-07:00

Para los amantes de los caballos, el color, el amor, la imperfección, el arte y la alegría: En Julio del presente año realizaré mi primera exposición, titulada "Hipocromáticos"; una colección de pinturas al óleo en la que he trabajado hace ya 6 meses, y que espero visite la mayor cantidad de personas posible. La muestra se realizará en el salón de exposiciones de la Galería Arteco, ubicada en el Barrio Inglés de Coquimbo. La fecha exacta de la exposición será confirmada próximamente, así como también la ubicación exacta de la Galería, que se traslada de la Calle Aldunate a la Plaza Vicuña Mackenna. Las obras pictóricas serán expuestas durante dos semanas y se encontrarán a la venta (consultar valor en la misma galería durante el periodo de la muestra). Como artista, espero su asistencia y agradecería enormemente cualquier cooperación respecto a la difusión del evento.

El Artista

2009-05-05T07:13:00.000-07:00

(Oscar Wilde)

Un día nació en su alma el deseo de modelar la estatua del Placer que dura un instante. Y marchó por el mundo para buscar el bronce, pues sólo podía ver sus obras en bronce.Pero el bronce del mundo entero había desaparecido y en ninguna parte de la tierra podía encontrarse, como no fuese el bronce de la estatua del Dolor que se sufre toda la vida. Y era él mismo con sus propias manos quien había modelado esa estatua, colocándola sobre la tumba del único ser que amó en su vida. Sobre la tumba del ser amado colocó aquella estatua que era su creación, para que fuese como muestra del amor del hombre que no muere nunca y como símbolo del dolor del hombre, que se sufre toda la vida.Y en el mundo entero no había más bronce que el de aquella estatua.Entonces cogió la estatua que había creado, la colocó en un gran horno y la entregó al fuego.Y con el bronce de la estatua del Dolor que se sufre toda la vida, modeló la estatua del Placer que dura un instante.

El taller

2009-01-14T05:34:00.000-08:00

(por Claudia Pérez Nelson)

Me proponía escribir un ensayo sobre el taller del artista; que tratara de las condiciones idóneas de un lugar para el momento de creación. E intentando visualizarme en un taller ideal pasaron muchos minutos: no lograba más que verme sólo a mi misma. Descubrí que mi taller ideal es todo lugar en el que estè.
El taller ideal es todo lugar que pueda contener el amor que siento y del que me desprendo momentáneamente al crear (para su posterior absorción en la obra).

En el taller debe ser posible toda la luz o sombra deseada; la visión más nítida e iluminada, como la ceguera profunda que nos permita ver más de lo que vemos con los ojos abiertos.
En el taller debe poder danzar el sonido o dormir el silencio, según requiera el oído del creador o el ritmo de sus manos (a veces festivas, a veces fúnebres).
En el taller debe poder sobrevivir el derecho divino de ensuciar o romper sin culpa, en beneficio del resultado final.
El taller ha de tener muchos clavos en la pared para colgar lienzos a medio pintar, en blanco, acabados y centenares de pensamientos inútiles (u otras torpezas).
El taller estará conformado de paredes simpatizantes, e idealmente militantes, de la soledad y la locura.
El taller, ante todo, no ha de considerarse un espacio. Tampoco ha de estar sujeto al tiempo. El artista, en su oficio, es ajeno a las condiciones terrenas habituales del ser humano.
El taller, con su vida propia, ha de incitar al artista al trabajo desenfrenado, sin principio ni fin.
Finalmente, para un artista el taller ha de ser un templo: con todo respeto, deberá considerarlo el hogar del amor.

(imágen: Lucian Freud en su taller)

La Inspiración: desembocadura de emociones

2009-01-02T18:14:00.000-08:00

(por Claudia Pérez Nelson)

La inspiración no es una condición lejana a la desventura. No está más lejos del dolor que de la alegría. La inspiración se origina en la emoción, y no hay emoción clasificable en buena o mala: simplemente hay emociones. Sensaciones extraordinarias, ajenas a la calma habitual. Así, existe una realidad digna de representar en un beso de amor como en un llanto fúnebre y doloroso. Para la inspiración está permitido sentir sin restricciones: lo que queremos sentir y lo que no queremos sentir. La inspiración no es una experiencia mística de placer intelectual. Aunque puede serlo, en términos genéricos, es una necesidad imperativa de reproducir una idea casi irreproducible engendrada en la emoción.

Crear en el dolor, por ejemplo, produce un trabajo exquisito, aunque supone una experiencia dura; que, sin embargo, mirada desde el resultado, puede llegar a considerarse (una vez superada) útil y hasta bella.
Muchos de los más grandes artistas tuvieron vidas lamentables, y tal vez de la miseria misma se desprende la calidad expresiva de su trabajo, y consecuencialmente, el buen provecho de su genialidad. La obra que nace de una sensación real para quien la crea, es una obra verdadera, y en consecuencia, una gran obra. Un buen artista tiene la sensibilidad e intuición para saber -sin saberlo- cómo transmitir todo tipo de emociones. No se trata de simbología e interpretación, sino únicamente de conmover. No sólo lo puede lograr un poeta, músico o pintor ( Puede haber arte en un cálculo matemático si se desea. Como no soy mujer de matemáticas lo digo como si fuera simple). Básicamente, para el buen arte, se requiere amor por el trabajo. Eso sí podría llamarse una experiencia mística o mágica. La emoción que inspira es el primer paso. Pero el camino se recorre enamorado de la labor: con generosidad y entrega, aun cuando la emoción inicial ya no sea más que una reminiscencia distante.

Tal como nos relacionamos con otra persona, nos podemos relacionar con la obra a la que damos vida: junto a la obra se puede llorar, reír, pensar, no pensar. La creación es completamente afín con la libertad. Hasta se puede estar ausente del mundo (en las artes no hay reproches respecto al porcentaje de asistencia laboral: la ausencia está permitida). El arte es como un recipiente que contiene toda clase de sabores. El artista, con su sensibilidad a cuestas, debe tener fuerza para crear con dulce, amargo, agridulce, picante, salado e incluso, con lo insípido.

(imágen: "El amigable Niki" óleo sobre tela Claudia Pérez Nelson 2008; imágen 2: fórmulas euler, leer comentario de Graciano)

Apología del artista

2008-12-17T06:08:00.000-08:00

(por Claudia Pérez Nelson)

Cuando con la decisión que tiene el trueno para ensordecer me propongo a declarar con orgullo “Soy artista”, en lugar de asombro obtengo en retorno una odiosa pregunta: “¿Y en qué trabajas?”. Como si el trabajo y el arte fuesen incompatibles o contrarios.

Trabajo no es sólo aquél que implica esfuerzo físico. De ser así, más de la mitad de la humanidad se consideraría cesante u holgazana. El trabajo es toda actividad, visible o invisible, terrena o etérea, física o mental, a la que una persona dedica su tiempo y ánimo. Muchos consideran en el concepto como factor determinante la remuneración, pero bajo esa premisa no sería trabajo entonces el del esclavo o el del misionero.

El comienzo de la carrera artística de un pintor, escritor o músico suele ser precario, de remuneraciones inexistentes, escasas o inconstantes; y su desarrollo y desenlace, su éxito como su fracaso, son inciertos. Empero, ni siquiera con estas razones, el trabajo del artista es más o menos trabajo que cualquier otro.

El problema radica en que para quien no es artista supone una dificultad inmensa comprender que es también labor el pensamiento, la concentración y la inspiración. Casi necesita como evidencia una frente sudada y en las manos una pala terrosa. El poeta requiere de tiempo, o al menos de una ocasión en la que elegir la temática de su poema; o requiere de silencio, e incluso minutos u horas de inactividad antes de deslizar el lápiz sobre el papel. El pintor debe preparar su estudio; ordenar las imágenes de su inspiración que, por muy irracionales que puedan ser, no son sólo garabatos en un lienzo. El músico debe afinar su instrumento; el cantante preparar su voz. Y todo artista debe, ante todo, preparar su corazón para la creación (por poco concreto que parezca). El trabajo del artista, lo es desde el instante en que se tiene la idea de crear algo nuevo hasta el momento de satisfacción al observar esa idea hecha realidad ante los ojos, el oído o el tacto; hasta saber la obra acabada.
El esfuerzo no se refleja sólo en los pies que sostienen el peso de todo un día de pesca o de cosecha. Tampoco se refleja en la recompensa monetaria a cambio. Es simplemente la dedicación, la disciplina, la reiteración diaria de una actividad lo que determina si estamos frente a un trabajador. En todo trabajo, lo fundamental e infaltable, es el motivo que nos mueve a hacerlo y la pasión que ponemos en concretarlo. Pidiendo prestada una frase a Gibran: “El trabajo es amor hecho visible”

La Belleza

2008-12-05T20:25:00.000-08:00

(por Claudia Pérez Nelson)

De no existir el dolor, la miseria, el desamor... sentimientos oscuros e "indeseables" nadie concluiría de su experiencia: “¡Qué bella es la vida!” Khalil Gibran lo dijo mucho mejor que yo: “Mientras más profundo el pesar ahonde en vuestro corazón, más espacio habrá para vuestra alegría”. En mi opinión, el sentimiento de felicidad más completo pertenece a aquel que ha conocido el extremo contrario a ésta. La felicidad constante puede ser un fin al que aspiramos, y de seguro experimentarlo sería sumamente aburrido. Si la felicidad fuera una suerte de “costumbre” (como experiencia habitual), no sabríamos que somos felices, y hasta buscaríamos la infelicidad (equivalente en tal caso a nuestra anhelada dicha). Así, todo en la vida, nos parece más cercano a la perfección si de vez en cuando roza la imperfección. Y creo que el arte no es ajeno a esta consideración.

Si bien el concepto de qué es perfecto o imperfecto, es -de un ser humano a otro- una cuestión completamente distinta (por ser éstas consideraciones subjetivas), creo que para cada persona es necesaria una pequeña y sabrosa mordida de imperfección (algo así como el chocolate amargo o el ají de la comida mexicana). Para mí, una buena obra de arte es aquella que tiene una notable cuota de imperfección. Un óleo sobre terciopelo con un caballo encabritado a la luz de la luna llena y reflejándose en un lago sereno, me pide a gritos una rama seca enredada en una de las patas, una luna menguante llena de cráteres, una roca desproporcionada entorpeciendo la calma o en su defecto, un perro vagabundo rascándose las pulgas en un rincón.

Hay cosas que por convención son bellas, y para el artista casi es una necesidad básica rodearlas de algo “feo” para embellecerlas aún más. O llevar esa belleza a una postura o situación inusual. Quizás muy cotidiana, pero poco ortodoxa en cuanto a “postura artística”, ideal de belleza, o por último, temáticas o formas clásicas de arte ( lo inusual acostumbra considerarse “feo” en primera instancia).

El pintor británico Lucian Freud, prodigioso retratista, busca modelos “no ideales”. Enjutos perritos callejeros, mujeres robustas, ancianos: hombres y mujeres corrientes. La belleza de su pintura está en elementos que tal vez no son visibles, pero por los cuales el espectador se siente cautivado. Lo cotidiano y simple, (conceptos excluídos de la idealización propia del modelo) tiene el poder de conmovernos puesto que es una realidad cercana, que muy probablemente más de alguna vez experimentamos; la obra de arte se vuelve parte de nuestra realidad, se puede llegar a sentir propia y por ende, emociona. Creo que un buen pintor logra eso. Sin tener en cuenta si un artista representa realidades fielmente, o sólo se basa en ellas y las interpreta a través del color creando una realidad distinta, la belleza está en su visión: es lo que hace que el modelo sea atractivo (aun cuando convencionalmente no lo sea). Los girasoles de Van Gogh no serían lo mismo si todas las flores se mantuvieran al centro en elipses perfectas de tallos tiernos; los retratos de Lucian Freud no tendrian aquella intensidad sin la simpleza y naturalidad de sus “imperfectos” modelos; “La persistencia de la memoria” no sería un Dalí sin los relojes derretidos… inusuales relojes y el derretimiento, la cuota de imperfección.. Como dice Wilde (a quien cito casi con la frecuencia que respiro): “No hay objeto, por feo que sea, que en determinadas condiciones de luz o de sombra, o en la proximidad de otros objetos, no parezca bello; y no hay objeto, por bello que sea, que en ciertas condiciones no parezca feo”. El artista tiene la misión de captar ese momento de belleza en la fealdad, o el momento de fealdad en la belleza; de encontrar la condición inusual de una cosa: el gesto o posición extraordinario a su establecida manera de obrar o de ser.

Por último, habiéndosele concedido al ser humano la capacidad de pensar, y -el regalo más preciado a mi juicio- la creatividad, es imperdonable quedarnos con la idea de belleza impuesta y no ser capaces de admirar libremente, sin vergüenza o culpa, y
completamente sordos a las burlas o reparos, la belleza de la fealdad, o la fealdad de la belleza.

Imágenes: (1) Pintura de Vincent Van Gogh

(2) Pintura de Lucian Freud

La última pintura, la primera pintura

2008-11-28T21:21:00.000-08:00

(por Claudia Pérez Nelson)

Este óleo sobre tela es mi más reciente trabajo. Se titula "Tu ausencia". Es mi última pintura.
Este óleo sobre tela es también mi más sincero trabajo. Lo pinté casi sin pensar. Es una pintura verdadera: quizás mi primera pintura.

A todo artista, en algún punto de su carrera, se le presenta la dificultad de encontrarse a si mismo. Por ende, encontrar su "estilo". Esa búsqueda implica conocer primero numerosas posibilidades. Yo pinto hace 10 años; con mis 22 años todavía ignoro qué pintar y cómo hacerlo. ¡Ni hablar del por qué!. Simplemente, de vez en cuando me sorprende una idea (generalmente de noche.Tal vez la ausencia de color que nos regala la noche propicie la imaginación). A veces esa idea (muy imprudente por lo demás) significa cargar el pincel de óleo y sobreponer una pincelada con otra con total generosidad; otras veces esa idea implica poner especial cuidado en el sfumatto, los contornos; no dejar huella de las cerdas sino colorear una superficie lisa. Así como el espacio entre una idea y otra es infinito, son también incontables las opciones para un pintor entre el hiperrealismo y el impresionismo; entre el cubismo y el expresionismo; entre una abstracción y una imágen figurativa.
¿ Era tan mío el paisaje impresionista que realicé en mis vacaciones en la playa, como el retrato surrealista en el que quise expresar confusión o desesperanza? Yo creo que si. Oscar Wilde, (escritor muy cercano a mi corazón) creía que no debía existir clasificación de los artistas de acuerdo a la escuela a la que pertenecieran. "El arte -decía- es la ciencia de la belleza", "No hay escuelas de arte, hay artistas simplemente". Bajo ese concepto no debiera importar si quiero transmitir belleza de una u otra forma, dependiendo de la ocasión, del ánimo, de mi necesidad de expresarme en ese momento. La pintura es una decisión del artista, idealmente sin influjos externos. Si esa decisión me encamina a adquirir cierta disciplina y sistematismo en cuanto al estilo, mi arte será valioso de esa forma pues aquella sería mi decisión. Por otro lado, si decido un día hacer una descomposición geométrica de un cuerpo, y al día siguiente retratarlo casi fotográficamente, tendrán igual valor ambas decisiones si las he hecho de acuerdo a mis deseos, a mi necesidad genuina como creador.
Si bien es casi requisito para un buen artista el encontrar su sello, características distintivas de su obra en comparación a la de otros, puede hacerlo paseándose de un estilo pictórico a otro. En uno y otro, estará pintando siempre con un mismo corazón.

Imágen: óleo sobre tela, título "Tu ausencia" de Claudia Pérez Nelson